¿Lo recuerda cuando se acerca su cumpleaños?

No, no hace falta que lo recuerde, pues llevo el accidente conmigo. Cada vez que me levanto, al poner los pies fuera de la cama, tengo que pensar en cómo pararme y no perder el equilibrio. Me puedo caer y, de hecho, me he caído muchas veces, pero siempre me he levantado. Pero estoy fuerte porque, por ejemplo, hoy he nadado hora y media (lo dice señalando el mar azul cristalino, en la playa que bordea su casa, desde el comedor familiar rústico en el que se sienta con Miranda y sus cinco hijos). 

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Julio habla en presente

Cuando lo recuerda, Julio habla en presente, pone su mano derecha en el rostro y señala el lugar donde estaba la cicatriz que el tiempo ha borrado. "Es la primera vez que lo cuento así, con tanto detalle".
Un día antes de su cumpleaños número 20, a las 2 de la mañana del 22 de septiembre de 1963, la fiesta del arquero de las inferiores del Real Madrid se convirtió en una tragedia que cambiaría el rumbo de su vida. Tras un mes de hospitalización, estaba casi recuperado. "Pero, sin saberlo, comencé a desarrollar una compresión del sistema nervioso que hace una tumoración quística y ataca el sistema central". La fuerza se le iba, el equilibrio fallaba. En noviembre, durante una nevada, la alerta fue un resbalón. La sensibilidad interna estaba perdida, tenía comprimida la médula. El diagnóstico no podía ser peor: las esperanzas de volver a caminar eran casi nulas. Entonces vendrían las visitas al quirófano y un año y medio de semiparálisis, la dedicación de su padre, que dejó de ejercer para cuidarlo, y la amistad con Eladio Magdaleno, el enfermero que le propuso tocar la guitarra para ejercitar las manos. "Eladio había pertenecido a la tuna de la facultad durante sus estudios; por eso tenía en su casa una guitarra medio rota. Por esa guitarra canto yo".

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Julio Iglesias, cercano a los 68 años, no se olvida de vivir

Este hombre, que cita a Ortega y Gasset y habla de Kant, que estudió latín y griego, que tiene un amor que lo hace libre y disfruta 'flirtear' con la vida, lanzará una nueva producción con sus más grandes éxitos.
"Hay mucho ruido. Chocar contra los mojones de la curva y salir disparado produce un ruido de hierro fuerte. Después vienen unos segundos totalmente inconsciente. Recuerdo uno que chilla y tiene todo abierto, y otro con la pierna absolutamente destrozada. Como es de noche, con los faros del coche, que quedan encendidos, se ve la humareda. Oigo solo quejidos, quejidos alrededor. Eso es lo primero que recuerdo. Después para un coche, nos recoge y pido que me lleven al hospital donde mi padre (Julio Iglesias Puga) era el residente. Uno de los chiquillos muere".

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Gillespie

“Gillespie es, sin duda, uno de mis mentores, pero un año antes de estar en su agrupación, estuve con Art Blakey, y ellos no solamente fueron los directores, sino los genios encargados de crear el estilo del bebop. Tocar con ellos fue como entrar a una gran universidad musical, aunque también experimenté un crecimiento inmenso en mi parte personal.
Yo a cada rato trato de emular su grandeza, porque en este océano de la música hay altas y bajas, pero uno siempre llega a la orilla y eso lo aprendí de ellos”, afirma Giovanni Hidalgo, el maestro nacido en San Juan de Puerto Rico que en la década de los ochenta colaboró en la fundación del colectivo Batacumbele, de Ángel Rubén Cachete Maldonado y también participó en la United Nations All Stars Orchestra, organización de 15 virtuosos instrumentistas creada por Gillespie. el espectador

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Mañenguito

El mundo lo conoció como Mañenguito, por ser hijo de José Manuel Hidalgo, más conocido en el sonoro mundo de la percusióncomo Mañengue, pero a los 13 años no necesitó más del camino recorrido por sus familiares y se hizo a un nombre, integrando las agrupaciones de Antonio García, Mario Ortiz y, por supuesto, Charlie Palmieri.
 Desde el 23 de junio de 1989 ha tenido que dividirse para cumplir con su banda y para no quedarles mal a sus ex directores, todos ellos grandes figuras como Tito Puente, Dizzy Gillespie, Paquito D´Rivera, Eddie Palmieri y Dave Valentín. Así que en los últimos 13 años ha hecho cosas esporádicas con su grupo, porque aún les debe fidelidad y respeto a sus padres y abuelos musicales, el espectador

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Cuando el golpe es la clave

El percusionista de Puerto Rico Giovanni Hidalgo, considerado el mejor conguero del mundo, estará en Colombia la próxima semana para ofrecer tres conciertos en las principales ciudades. Jazz latino, salsa y son serán los protagonistas.

 Hidalgo quiere venir a Colombia a sudar la gota fría y a entregarse de lleno a un público que lleva varios meses esperando el sonido del denominado conguero mayor.El cuero de las congas es una prolongación de su piel. Con su instrumento ha logrado casi todo en su vida y, por eso, con su acento boricua bien marcado, dice que para él primero está papá Dios y después las congas. Las trata a golpe limpio durante sus presentaciones, bastante frecuentes dada la categoría del artista, pero, extrañamente, por las noches las consiente, se acuesta con ellas para sentirlas y darles el calor humano necesario para expresar todo lo que comunican sobre el escenario. Mientras tenga licencia para hacerlo, compartirá su cama con su esposa y con su principal cómplice. el espectador


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El Ballet Folclórico de Bahía

Este montaje es descrito por Walson Botelho como el mejor reflejo de la cultura bahiana. Bahía de todos los colores fue la primera coreografía de la compañía y ahora la retoman para celebrar sus 20 años. Es un espectáculo que mezcla las diferentes manifestaciones culturales de esta región del Brasil, pero sobre todo es un homenaje a todas aquellas culturas que enriquecieron el folclor de Bahía, en especial, la africana.
En este tiempo de trabajo, la compañía ha tenido varios cambios que han ido de la mano de la creación. Hasta el momento suma 30 coreografías y los reconocimientos en diferentes lugares del mundo. El Ballet Folclórico de Bahía es considerado como la mejor compañía de danza folclórica del mundo por la Asociación mundial de críticos de danza, entidad liderada por el periódico The New York Times. el espectador

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Dead Capo

Marcos sopla un reluciente saxo. Antes se lía un cigarro. Es viernes, a las 20.00, y el local de ensayo de Dead Capo debe ser el único lugar donde se puede consumir nicotina sin apoquinar una multa. El espacio tiene su historia: aquí se levantó una sala con pedigrí underground, La Faena, donde se realizaban conciertos de rock y punk. El club cerró y esta especie de cueva se ha reconvertido en local de ensayo y taller para realizar otras actividades. Está situado en la zona de Carabanchel, en una pequeña calle que desemboca en la vía Carpetana. En el momento en el que Dead Capo ensaya, en la parte de arriba una chica fabrica atrezo teatral. Es una habitación grande, con dos baterías y espacio suficiente para que los músicos toquen holgados, sin estrecheces. Desembolsan unos 600 euros al mes, que se quedan en la mitad porque comparten gastos con otro grupo. el pais

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Un jazz tocado con energía punk

Modernos en tiempos de posmodernidad. Lo más transgresor que ha parido el jazz patrio en años". La cita es del crítico Chema García Martínez. Otro periodista, Jaime Gonzalo, escribe en la revista Ruta 66: "Probablemente, la más articulada y creativa banda instrumental del país". Paradójico. El grupo con mejores instrumentistas de Madrid empieza la conversación hablando de La gallina turuleca. "Es increíble cómo les gusta a los niños Hola, don Pepito, y todas esas canciones de Fofó y Miliki. Esta tarde las he tocado todas". Más paradójico todavía: la agrupación más virtuosa de la ciudad debe tocar en charangas para colegios de Primaria si quiere llegar a fin de mes. El que ha interpretado las clásicas melodías de Los payasos de la tele es Marcos Monge, el mayor (41 años) de los cuatro componentes de Dead Capo, la agrupación que consigue un diagnóstico unánime: pocas bandas en la capital tan inclasificables, con tanta calidad instrumental y a la vez tan divertidas. el pais

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Art Barter

Incluye un concepto de exposición que ya se ha ensayado en otras ciudades europeas conocido como Art Barter (arte por trueque) en el C arte C y proyecciones de vídeos de jóvenes creadores, que se proyectarán en el escenario principal.
Las entradas se pondrán a la venta a partir del viernes, con una primera remesa compuesta por 5.000 bonos de dos días a un precio de 60 euros. Según Grima, una vez que se confirme la composición íntegra del cartel (faltan 9 bandas por cerrar), se pondrán a la venta los pases de un solo día (www.dcodefest.com).
Antes de esa semana de junio en la que 40 bandas convertirán la ciudad en un gran festival, el FestiMad (www.festimad.es/11/) calentará los ánimos llenando las salas de conciertos de toda la ciudad con grupos nacionales. el pais

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'Do it Like a Dude'

Sorpresivamente, Justin Timberlake la calificó como "la mejor cantante del mundo". Su principal sencillo es 'Do it Like a Dude' y su video está cargado de imágenes explícitas sobre drogas. "No necesariamente decimos que nos gusta, pero por el poder de su voz y sus canciones inmensamente comerciales, ella será algo masivo (...) No es sólo una voz, también escribe", publicó sobre la artista el diario 'The Guardian'. "He trabajado en esto por años, pero no esperaba que fuera tan loco": Jessie J. www.myspace.com/jessiejofficial James Blake Posiblemente sea quien más sorprenda a los críticos este año: se trata de un joven productor londinense de música electrónica que propone un sonido entre el 'dub' y el 'soul', pero cuyo mayor encanto radica en lo que logra solo, frente a su piano. Lo comparan con Moby. 'Limit For Your Love' -original de Feist- es el principal sencillo de su trabajo, que sale este lunes al mercado. "Su álbum debut homónimo es una impresionante muestra de electrónica básica que no teme dejar hacer ruido a una nota": Laura Shapes, NME. www.jamesblakemusic.com Sarah L. Guthrie Una inmensa herencia musical le precede a esta cantautora: es la nieta de Woody Guthrie, la gran figura del 'folk' estadounidense, quien influenció directamente a Bob Dylan. Aunque graba junto a su esposo desde el 2005, este año puede ser una oportunidad para proyectarse con el álbum 'Bright Examples', que podría abrirse camino hacia los Grammy. "Mezcla a Neil Young con los Beatles y con un millón de sonidos entre ellos. Las letras son maravillosas, cada canción tiene un gancho que deja un nudo en la garganta", según la revista 'Vintage Guitar'. www.sarahleeandjohnny.com Bruno Mars Con seis nominaciones a los premios Grammy, este puede ser el mejor año de Bruno Mars no solo por su ascendente carrera en solitario, sino por componer 'F... You' para el artista Cee-Lo Green y 'Nothin' on You' para el rapero B.o.B.-nominadas a mejor canción del año-. el tiempo

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Estos son los artistas que se harán oír en el 2011

Caras nuevas por las que apuestan la prensa internacional y la industria musical este año.
La escena del pop y el rock mundial pone sus ojos cada año en nuevos rostros que tengan la posibilidad de oxigenar el mercado musical; más aún, ante la explosión de los independientes que arrebatan espacios en las grandes discográficas. Por eso, las reseñas de la prensa especializada y de los principales medios en los Estados Unidos y el Reino Unido siembran tendencias y abren caminos para esas propuestas frescas. Los listados de 'The Guardian', la 'BBC' de Londres, las revistas 'Spin', 'New Musical Express' (NME) y 'Rolling Stone' presentan nombres como los de las cantantes Jessie J, Clare Maguire, Tove Styrke, Yasmin, Jessica Jarrell y Anna Calvi; los músicos Jamie Woon, Daley, James Blake, Alexander Wolfe y Wretch 32, entre otros. Algunas de las bandas que la prensa especializada recomienda son 'The Vaccines', 'The Naked' and 'Famous', 'Brother', 'Gypsy and The Cat' y 'Suuns', por mencionar las que más suenan. En cuanto al panorama nacional, EL TIEMPO recuerda los nombres de dos proyectos independientes que levantaron vuelo en el 2010 y que seguramente se proyectarán con más fuerza durante este año. Jessie J Puede que sus canciones no sean muy profundas, pero esta nueva figura del pop que mezcla glamour y estética punk tiene detrás todo el poder de la industria musical en el Reino Unido. La respuesta británica a Lady Gaga o Katy Perry encabezó la lista 'Sounds of 2011', de la BBC, y es la primera mujer en el listado de NME. el tiempo

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Shakira dará un concierto en Marruecos

La cantante clausurará el festival Mawazine, que se celebra en la ciudad de Rabat.
"Su participación en el festival responde a los deseos de miles de admiradores que se conocen de memoria su repertorio", apuntaron hoy los organizadores del festival, a través de un comunicado. Agregaron que la presencia de Shakira "es una garantía para que la décima edición del Mawazine sea un éxito". Con su diversidad de apuestas musicales y el ingente número de artistas que trae a Marruecos cada año, el Mawazine se ha consagrado como el festival de mayor renombre del país, por el que han pasado grandes nombres de la escena como Kylie Minogue, Stevie Wonder o Whitney Houston. Shakira, que cerró 2010 como la cantante latina más reconocida del mundo, ha sido galardonada dos veces en los premios discográficos GRAMMY, otorgados por la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación de EE. UU. El evento se realizará el próximo 28 de mayo. el tiempo

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Falleció el guitarrista Gary Moore

El guitarrista de rock británico fue hallado muerto en la habitación de un hotel en España.
El músico llegó al citado hotel el domingo al mediodía y falleció en la madrugada del lunes, agregaron las fuentes, que no precisaron si viajó acompañado. Moore, de 58 años y nacido en Belfast (Irlanda del Norte) el 4 de abril de 1952, comenzó su carrera musical en la década de los 60. En 1970 firmó con su banda, 'Skid Row', un contrato con el sello discográfico CBS. Pocos años más tarde fue reclutado para la legendaria banda norirlandesa 'Thin Lizzy' por su cantante, Phil Lynott, que antes había formado parte de 'Skid Row'. Su carrera en solitario alcanzó relevancia en 1979 con su disco 'Parisienne Walkways'. Siguieron después títulos de gran éxito como 'Wild Frontier' (1987) y 'Still Got The Blues' (1987). En 1994, trabajó junto a Ginger Baker en la banda 'BBM' y reanudó posteriormente su carrera en solitario. En esta etapa, grabó discos tan emblemáticos como 'Dark Days In Paradise' (1997), 'Back To The Blues' (2001), 'Power of the Blues' (2004) y 'Live at the Monsters of Rock' (2003). En agosto de 2005 se reunió de nuevo con algunos de los miembros de 'Thin Lizzy' para un concierto en Dublín. Los últimos discos grabados por Moore en estudio son 'Old New Ballads Blues' (2006) y 'Close as you get' (2006). El guitarrista realizó una gira por Rusia y Oriente en 2010 y preparaba varias actuaciones para este verano junto a una nueva banda. Uno de los miembros de 'Thin Lizzy', Brian Downey, se confesó "conmocionado por su muerte" y rindió tributo a su colega. "Siempre estará en mis pensamientos y plegarias, no puedo creer que haya muerto", declaró. LONDRES EF. el tiempo

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La música clásica es parte de una buena cultura general.

A lo largo de la historia, los padres se aseguraron que sus hijos fuesen instruidos en la música culta desde muy temprana edad. Un experiencia musical temprana daba las bases para un estudio serio posterior. Para aquellos que deseaban ser ejecutantes, cualquier instrumento es prácticamente imposible de aprender a nivel profesional si, o al menos un instrumento similar, no eran aprendidos desde la infancia. Algunos padres buscaban la enseñanza musical por razones sociales o en un esfuerzo por impartirles un útil sentido de la auto-disciplina; las lecciones parecen mostrar también un incremento en el desempeño académico. Algunos consideran que el conocimiento de las obras de la música clásica es parte de una buena cultura general.

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Lo clásico expresa lo universal

Como en las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad trascendental de la emoción, que expresa algo universal acerca de la condición humana. Si bien la expresión emocional no es una propiedad exclusiva de la música clásica, esta honda exploración en la emoción permite que la mejor música clásica alcance lo que ha sido denominado lo "sublime" en el arte. Muchos ejemplos pueden citarse para demostrar esto. Por ejemplo, la musicalización del poema de Friedrich Schiller "Oda a la Alegría" en la Novena sinfonía de Beethoven, que suele interpretarse en actos de independencia nacional o de celebración, como aquella famosa ocasión en que la dirigió Leonard Bernstein para celebrar la caída del Muro de Berlín, y la tradición japonesa de tocarla para celebrar el Año Nuevo. Sin embargo, otros compositores, como Iannis Xenakis, argumentan que el efecto emocional de la música en los oyentes es arbitrario y que, por lo tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información de la pieza es lo supremo.

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Forma de la música clásica

La música culta está hecha exclusivamente para ser oída, a diferencia de otras músicas adjuntas a otras formas de entretenimiento (la música de cine es ejecutada a veces en salas de concierto). Los conciertos de música clásica suelen tener una atmósfera solemne, se espera que el público esté en silencio para evitar distraer al músico y los oyentes. Los intérpretes de ordinario visten de manera formal, una práctica vista como un gesto de respeto para la música y el público; y tampoco interactúan directamente o bromean con el público. Lecturas privadas de música de cámara pueden tener lugar en ocasiones domésticas más informales.

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Johann Nepomuk Hummel

El discípulo más conocido de Mozart fue probablemente Johann Nepomuk Hummel, a quien Mozart tomó bajo tutela en su casa de Viena durante dos años cuando era un niño. Fue una figura de transición entre el Clasicismo y el Romanticismo.^[88]
Más importante es la influencia que Mozart ejerció sobre los compositores de generaciones posteriores. Después del aumento en su reputación después de su muerte, el estudio de sus partituras ha sido una parte común de la educación de los músicos clásicos

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La música religiosa

El grueso de la música religiosa que escribió forma parte del periodo salzburgués, donde existe una gran cantidad de misas, como la Misa de Coronación, KV 317, sonatas da chiesa y otras piezas para los diversos oficios de la Iglesia Católica. En el período vienés disminuye su producción sacra. Sin embargo, las pocas obras de carácter religioso de este periodo son claros ejemplos de la madurez del estilo mozartiano. Compuso la Misa en do menor KV 427 (la cual queda inconclusa, al igual que el Réquiem), el motete Ave verum corpus KV 618 y el Réquiem en re menor, KV 626.

Johann Nepomuk Hummel fue probablemente el discípulo más conocido de Mozart y una figura de transición entre el Clasicismo y el Romanticismo.^[88]

También escribió bellísimas canciones, tales como Abendempfindung an Laura KV 523, entre otras. Compuso numerosas arias de concierto de gran calidad, muchas de las cuales fueron usadas en óperas de otros compositores a modo de encargo. De sus arias de concierto se pueden destacar, por su calidad y encanto: Popoli di Tessaglia...Io non chiedo, eterni dei KV 316, Vorrei spiegarvi, oh Dio! KV 418, ambas para soprano, o Per pietà KV 420, para tenor

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Producción operística

Con respecto a su producción operística, después de algunas obras «menores» llegaron sus grandes títulos a partir de 1781: Idomeneo rey de Creta (1781); El rapto en el serrallo (1782), la primera gran ópera cómica alemana; Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (Así hacen todas, 1790), escritas las tres en italiano con libretos de Lorenzo da Ponte; La flauta mágica (1791), en la que se reflejan los ritos e ideales masónicos, y La clemencia de Tito (1791).

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La producción sinfónica e instrumental de Mozart

La producción sinfónica e instrumental de Mozart consta de: 41 sinfonías, entre las que destacan la n.º 35, Haffner (1782); la n.º 36, Linz (1783); la n.º 38, Praga (1786); y las tres últimas (la n.º 39, en mi ♭; la n.º 40, en sol menor, KV 550; y la n.º 41, en do mayor, KV 551 Júpiter compuestas en 1788); varios conciertos (27 para piano, 5 para violín y varios para otros instrumentos); sonatas para piano, para piano y violín y para otros instrumentos, que constituyen piezas clave de la música mozartiana; música de cámara (dúos, tríos, cuartetos y quintetos); adagios, 61 divertimentos, serenatas, marchas y 22 óperas.
Mozart empezó a escribir su primera sinfonía en 1764, cuando tenía 8 años de edad. Esta obra está influida por la música italiana, al igual que todas las sinfonías que compuso hasta mediados de la década de 1770, época en que alcanzó la plena madurez estilística. El ciclo sinfónico de Mozart concluye con una trilogía de obras maestras formado por las sinfonías n.º 39 en mi ♭ mayor, n.º 40 en sol menor y n.º 41 en do mayor, compuestas en 1788.

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